Faltam adjetivos para definir a safra de filmes de 2019. Se tivesse que escolher um seria autoral. Vimos filmes de vários gêneros, para vários gostos, mas com uma mesma veia autêntica. Seja o maior dos blockbusters, seja o mais íntimo dos dramas. Mais do que isso. Tivemos uma safra que conseguiu refletir o mundo em que vivemos. A deterioração sentimental. As sequelas da desigualdade. O desdém para com os problemas íntimos\afetivos. Tivemos entretenimento e conteúdo. Tivemos esperança e pessimismo. Tivemos crítica e reflexão. Pela primeira vez nestes onze anos de Cinemaniac, a minha lista de melhores do ano tem cinco filmes com nota máxima. Cinco obras totalmente diferentes. De universos distintos. Mas que, assim como todos os outros quinze filmes listados abaixo (contando as menções honrosas), conseguiram ir além. Neste Top 10 muito especial, segue a minha lista com os Melhores Filmes de 2019. Como de costume, a seleção abrange os títulos lançados no Brasil comercialmente (streaming e cinema) entre janeiro e dezembro do ano que terminou.
10º Assunto de Família (Magnolia Pictures)
Representante japonês na corrida
pelo Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2019, Assunto de Família é um filme
de opinião forte. E sobre um tema extremamente delicado. Se em Pais e Filhos
(2013) Hirokazu Koreeda já havia colocado em cheque a importância dos laços
consanguíneos ao narrar o drama de duas famílias vítimas de uma troca de bebês
na maternidade, em Shoplifters (no original) o sensível realizador nipônico
toca em feridas bem mais profundas ao se insurgir de vez contra a pretensa
funcionalidade de uma família biológica. Sob uma perspectiva íntima e
fascinantemente naturalista, Koreeda rompe com uma visão conservadora sobre o
que deve definir um núcleo familiar ao acompanhar as desventuras de um casal
humilde disposto a abrigar uma garotinha vítima de maus tratos. Com personagens
falhos e uma abordagem humana sobre o assunto, o realizador causa um misto de
encantamento e desconforto ao abraçar a disfuncionalidade presente na trama, ao
tratar o afeto como a principal resposta para a pergunta feita acima.
9º Ad Astra (20th Century Fox)
Poucos títulos recentes teceram
comentários tão profundos sobre a paternidade quanto o enervante Sci-Fi Ad
Astra. Por trás de uma expressiva jornada rumo ao desconhecido existe um drama
existencial sobre o impacto da ausência, o peso da solidão e as sequelas da
obsessão na vida de dois homens ligados pelo elo consanguíneo. Sob a intensa e
virtuosa batuta de James Gray (Era Uma Vez em Nova Iorque, Z: A Cidade
Perdida), o longa estrelado por um soberbo Brad Pitt camufla no viés
científico\futurista uma trama genuinamente familiar sobre laços repentinamente
rompidos e o vácuo causado na rotina daqueles que são deixados para trás. No
fim, embora escorregue no terreno da condescendência nos seus minutos finais,
Ad Astra é uma das grandes surpresas cinematográficas de 2019. James Gray
consegue saciar o apetite dos fãs de um Sci-Fi provocante numa obra espetacular
quando pode e dramática quando precisa.
8º Parasita (Neon)
Vamos direto ao ponto. Poucos filmes conseguiram traduzir o efeito da desigualdade com tanta ferocidade quanto Parasita. Talvez por isso o filme tenha arrebatado o público ao redor do mundo, conquistado um alcance raro para uma produção do gênero e por consequência garantido expressivas seis indicações ao Oscar. É fácil se reconhecer em Parasita. Se sentir, ao mesmo tempo, parte do problema e vítima dele. Como de costume na sua filmografia, o aclamado diretor Bong Joon-Ho (O Hospedeiro) coloca o dedo em algumas enraizadas feridas sociais com gosto ao mergulhar na disfuncional relação entre duas famílias separadas por barreiras visíveis e também invisíveis. Embora se sustente em uma série de pequenas (mas perceptíveis) facilitações narrativas, o cineasta sul-coreano compensa ao renegar o frequente maniqueísmo embutido em tramas sobre diferenças de classes. Ao tornar tudo o mais cinza possível, Joon Ho renega tanto a vilanização dos mais ricos, quando a exaltação dos mais pobres. Os seus personagens habitam no mundo real. São falhos, oportunistas, por vezes perversos, por vezes compreensivos. Um ambiente tênue regido por convenções frágeis, ambições comuns e falsas expectativas. Por trás deste ecossistema de aparências, no entanto, existe a verdade. A dura e insensível verdade. E é ela que Bong Joon Ho busca escancarar aqui.
Por que Coringa é um filme tão
comentado? O legal de escrever sobre uma obra meses depois do seu lançamento é
que temos a chance de analisa-la sob uma perspectiva mais completa. O que, no
caso de um filme como Joker (no original), é primordial. Estamos diante de uma
produção que transcendeu a barreira do cinema. Muito mais do que um filme de
origem de um popular vilão dos quadrinhos, o enérgico longa dirigido por Todd
Phillips encontra na figura deste complexo antagonista a oportunidade de tocar
em chagas sociais reais. Coringa é um estudo impressionante sobre o meio em que
vivemos. E por isso é tão comentado. A partir da óptica de um homem quebrado,
afundado nos seus problemas, na insensibilidade e na sua instabilidade, o
realizador é enfático ao transformar a nossa sociedade no grande vilão da
história. Poderia ser o Rio de Janeiro, Paris, Nova Iorque, mas é Gotham. De
ficção, porém, Joker tem bem pouco. De quadrinhos muito menos. Por mais que
beba na fonte da nona arte com perspicácia, Phillips vai além ao renegar
qualquer resquício de maniqueísmo. Tudo que vemos aqui, a solidão, o
desequilíbrio emocional, a violência, a brutalidade, a desigualdade, a
anarquia, o sentimento de revolta é produto da sociedade doente em que
habitamos. Tal qual Arhtur Fleck (Joaquin Phoenix) somos vítimas e vilões.
Somos a consequência e também a causa. Um círculo vicioso conduzido com
maestria numa distorcida história de reafirmação e empoderamento.
6º Nós (Universal)
5º Homem-Aranha no Aranhaverso (Sony Pictures)
É fácil entender os motivos que transformaram o amigão da vizinhança Peter Parker num dos super-heróis mais populares da cultura pop moderna. Ele é divertido, carismático, justo e acima de tudo altruísta. Um garoto comum que, com grandes poderes, não titubeou em abraças as grandes responsabilidades. Graças a perspicácia do saudoso Stan Lee, criador e assumidamente maior entusiasta do herói, o Homem-Aranha se tornou um símbolo reconhecível, universal, um jovem obrigado a amadurecer, a enfrentar os seus medos, os seus traumas, as suas desilusões. Por trás dos super-vilões, dos intrépidos resgates e do fator aranha existe um garoto comum, com anseios comuns, uma característica básica do personagem que, felizmente, se fez presente na maior parte das produções envolvendo esta verdadeira legenda do selo Marvel. Nos quadrinhos, nos universos expandidos e especialmente no cinema, o teioso sempre teve a sua essência respeitada, algo que só ajudou a solidificar o status deste icônico super-herói. Poucos destes títulos, entretanto, conseguiram reverenciar o legado da criação da dupla Stan Lee e Steve Ditko com tanta plenitude e originalidade quanto o primoroso Homem-Aranha no Aranhaverso. Uma daquelas obras que exalam o raro frescor da novidade do primeiro ao último minuto de projeção, o longa dirigido pelo trio Bob Persichetti, Peter Ramsay e Rodney Rothman reforça o mito em torno da figura do amigão da vizinhança sem abdicar de trazer algo novo para este saturado gênero, nos presenteando com uma aventura ousada, criativa e inestimavelmente sentimental. Um ‘coming of age movie’ travestido de filme de super-herói que, ao ir além do seu triunfante aspecto visual, entrega uma das experiências cinematográficas mais imersivas e empolgantes da história recente do cinema.
4º Vingadores: Ultimato (Walt Disney)
É impossível deixar o vínculo
afetivo de fora deste texto. São onze anos de filmes. São onze anos de MCU. São
onze anos de Cinemaniac. Embora a criação deste blog não tenha qualquer tipo de
conexão com o início do Universo Vingadores, numa daquelas coincidências do
destino tive o privilégio de ao longo deste período escrever sobre uma das
maiores franquias da história da Sétima Arte. Acompanhar de perto as notícias.
Elogiar o que deveria ser elogiado. Questionar o que tinha para ser
questionado. São centenas de texto sobre uma saga que soube construir um elo
com o seu público. Uma trajetória que alcança o seu ápice, como esperado, no
épico Vingadores: Ultimato. Uma obra sem precedentes dentro da poderosa
indústria da cultura pop. É um filme que não é só UM filme. Avengers: End Game
(no original) traz consigo uma parte da essência dos vinte e um capítulos
anteriores do Universo Cinematográfico da Marvel. É a síntese de uma saga
construída com esmero, com respeito aos fãs, com apreço pelos detalhes. Os
irmãos Anthony e Joe Russo encontram aqui a oportunidade de exaltar tudo o que
de melhor o MCU tem a oferecer. O senso de diversão. A riqueza de personagens.
A dinâmica entre eles. O peso dramático. A ambição narrativa. O virtuosismo
estético. E, claro!, muito altruísmo. Muito mesmo. O que, a meu ver, talvez
seja o principal predicado de Ultimato. O maior filme de super-herói de todos
os tempos é também o de maior coração. Não importa o tamanho da escala das
batalhas. Não importa a imponência do vilão. Não importa o senso de urgência.
Neste impactante fim de ciclo, Vingadores: Ultimato é retumbante ao reverenciar
a jornada dos seus humanos personagens, a importância de cada um deles (do
menor ao maior) e o efeito catártico causado por eles junto ao público. Mais
MCU impossível.
3º História de Um Casamento (Netflix)
Conduzido com delicadeza por Noah Baumbach, Histórias de um Casamento é um triunfo do cinema moderno. Embora ambientado num geralmente disfuncional mundo de vaidades, o longa humaniza os conflitos dos seus personagens ao pintar um retrato compreensivo e ao mesmo tempo urbano sobre um casal falho disposto a tudo para lutar pela única coisa que eles não estão dispostos a abrir mão: o seu filho. Um relato intimista capaz de comprovar que, diante de um processo tão desnorteante, ninguém está imune ao erro. Um filme denso, triste, real e necessário. Um estudo potencializado pelas primorosas performances de Adam Driver e Scarlett Johansson.
2º Era Uma Vez em... Hollywood (Sony Pictures)
Mais do que um grande diretor,
Quentin Tarantino é um verdadeiro cinéfilo. Isso não é novidade para ninguém.
Seus filmes refletem a sua paixão pela arte. O tipo (raro) de cineasta que não
se incomoda em reverenciar aqueles que o moldaram. Tarantino é, acima de tudo,
um iconólatra. Um realizador que fez do seu vasto repertório de referências a
sua principal assinatura. Os símbolos (cinematográficos ou não) sempre tiveram
muito valor para ele. Um sentimento que fica evidente quando nos deparamos com
esta pérola chamada Era uma Vez em... Hollywood. Após décadas homenageando
aqueles que os inspiraram em seus projetos, ele resolveu ir além. Desta vez
Tarantino não quis somente reescrever a história, mas situar a sua nova obra no
cenário que influenciou a maior parte dos seus trabalhos. Uma Hollywood mais
ingênua. A Hollywood dos Westerns decadentes, do Kung-Fu, da libertação sexual,
das transformações socioculturais, das jovens estrelas. Um verdadeiro parque de
diversões nas mãos de um profundo conhecedor deste período. De longe o filme
mais audacioso da sua carreira, o irreverente drama “semi-biográfico” mostra
então um Quentin Tarantino mais contemplativo. A trama é tratada como uma mera
desculpa para ele mergulhar de corpo e alma numa época singular do cinema
norte-americano. As referências\reverências, aqui, não são só parte do todo.
Mais do que se apropriar dos fatos, Tarantino busca sentir\viver aquele
momento, busca passear por um período de efervescência, busca compartilhar
sensações com o seu público. Uma experiência imersiva e entusiasmada de um
realizador consciente das particularidades que cercaram aquele raro momento.
1º O Irlandês (Netflix)
Ainda que funcione magistralmente enquanto filme de máfia, O Irlandês usa a violência como o agente catalisador para um estudo de personagem dramático, íntimo e genuinamente doloroso. Um retrato revisionista sobre o destino daqueles que fizeram da morte a sua profissão. No auge da sua maturidade, Martin Scorsese troca o ritmo frenético de Os Bons Companheiros (1990) por um sereno ar melancólico, desbravando o turbilhão de emoções de um grupo de homens reprimidos pela natureza bruta do mundo em que habitam. Por trás dos inúmeros predicados artísticos (entre eles os enquadramentos dignos de moldura, os planos criativos que parecem cansados de "pintar a tela de vermelho", os espantosos efeitos digitais de rejuvenescimento facial, a envernizada fotografia em tons frios\amadeirados de Rodrigo Prieto e o primoroso trabalho da equipe de direção de arte) reside talvez a obra mais franca e objetiva de Scorsese desde a sua fase inicial. Um filme gigante em seu aspecto artístico, mas pessoal em sua proposta. Poucas vezes o fardo da velhice foi explorado com tanto peso. Sem medo de errar, o mais profundo (e questionador) título do subgênero desde O Poderoso Chefão 2.
Menções Honrosas
- Em Trânsito (Music Box)
Impulsionado pelas marcantes presenças de Franz Rogowski e Paula Beer, Em Trânsito é uma obra original, insinuante e provocadora. Embora falte vigor ao longa em alguns poucos momentos, o que pode incomodar o espectador acostumado a um conteúdo mais palatável, Christian Petzold compensa ao transformar um cenário indiscutivelmente reconhecível no palco de um drama que insiste em se repetir, uma realidade vil em que a morte pode se acontecer de diversas formas e assumir vários rostos.
- Vice (Annapurna)
Vice é um acerto retumbante. Um
relato histórico carregado de cinismo e insinuações sobre a ambição humana e as
sequelas causadas pelo jogo político nos EUA. Apesar do viés drástico, Adam
McKay coloca o dedo na ferida guiado pela afiada montagem e pela assombrosa
performance de Christian Bale. Um filme incapaz contemporizar.
- Vida Selvagem (IFC Filmes)
Sem nunca perder o pulso da trama, que cresce constantemente até a sua fantástica sequência final, Paul Dano nos brinda em Vida Selvagem com um ‘coming of age movie’ adulto, sólido e atual. Um retrato implacável sobre o impacto do divórcio na rotina de uma família consumida pelas chamas da vida adulta, das oportunidades perdidas, do tempo desperdiçado.
- A Sombra do Pai (RT Features)
A Sombra do Pai é um thriller de
Horror hipnotizante. Sob uma perspectiva lúdica e ao mesmo tempo
visualmente\sonoramente suja, a criativa diretora Gabriela Amaral mostra a
capacidade do cinema nacional em produzir filmes de gênero numa obra
inquietante, reflexiva e espantosamente reconhecível. Tal qual os melhores
representantes do segmento, o longa usa o sinistro como uma ponte para uma
discussão mais profunda e repleta de camadas, transitando por temas do nosso
dia a dia ao invadir a intimidade de uma família devassada pelo vazio, pelo
luto e pela disfuncionalidade em tempos sombrios. Me arrisco a dizer, na
verdade, que estamos diante de um dos filmes de zumbi mais originais dos
últimos anos. Fazendo jus ao subgênero revigorado pelo mestre George Romero,
sabiamente reverenciado por aqui, Gabriela esbanja perspicácia ao preencher a
trama com um potente comentário social, se apropriando de elementos clássicos
do cinema de horror com um toque tipicamente nacional.
- As Loucuras de Rose (Amazon Studios)
E o melhor filme de 2019 que pouquíssima gente assistiu é... As Loucuras de Rose. Com uma abordagem real e genuinamente feminina, o longa dirigido por Tom Harper (Os Aeronautas) causa um fascínio natural ao narrar as desventuras de uma impulsiva cantora às avessas com a imaturidade. Usando a rebeldia da música country como um esperto pano de fundo, o longa esbanja sinceridade ao revelar o tamanho dos obstáculos enfrentados por uma mãe solteira dividida entre um sonho remoto e as suas verdadeiras responsabilidades. Sem um pingo de condescendência quanto a figura da sua protagonista, a errática Rose (Jessie Buckley), Harper é cuidadoso ao invadir a rotina desta mulher caótica disposto a compreendê-la.
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